文/王海珍
秋末冬初，北京漫山遍野的银杏叶最为绚烂的季节里，《雅歌》六人展在东直门来福士低调启幕，没有大张旗鼓的喧哗，只有一场又一场的特色沙龙，走心交流。
序曲
当观者将目光聚焦画作，并通过每一位艺术家的自述与导览，了解作品背后的故事，六人展中内蕴的精神脉络隐隐约约显现出来——这并非一条通往世俗成功的花径，而是一条向内探索的幽深小路。
一如佛罗斯特的诗歌中的那句话：“一片树林里分出两条路，而我选了人迹更少的一条，从此决定了我一生的道路。”
是的，在六位艺术家的艺术旅途中，她们都选择了一条忠于自己内心的路，在这个追求即时回响的时代，她们选择了一条“人迹更少的路”——无需向外索取认可，而是向内探索心灵的深度。
她们的作品，汇聚在一起，成为了映照彼此的湖水，在微波粼粼中，点点阳光下，能看见彼此在孤独中依然保持探寻的勇气，也看见了彼此在多重身份的责任中依然寻找着艺术的无限自由。
在这六位艺术家的作品中，能看见一种独特的女性思考方式——极致的坚韧与柔软，如水流般滔滔流过画面，漫卷着冲刷着，她们亦在时间里打磨着自我。
咏叹
何韵兰这次带来了多幅2025年新作，她画布上纯净的色彩，不是未经世事的单纯，而是穿越复杂后的澄明。这种天真带着九十年的沧桑——她见过战火，历尽颠沛变迁，却在创作中主动选择了保持对世界最初的惊奇。
当绝大多数艺术家在岁月中不断累积技巧与风格时，她却在做减法——她卸下了“艺术家”的身份，让画笔回归到最本真的状态。这份天真是生命巅峰达成的一种超越——最丰富的体验最终呈现为最纯粹的形式。
《玛尼石》中的张力与神性，似乎又在昭示着九十岁的艺术探索还有着无限可能。
何韵兰《万物皆有灵》（玛尼的信仰）75X50cm 纸本彩墨综合 2025年
年逾八旬的裘兆明有着童年战火奔逃惊惶，更有着对父辈肩扛民族大义的钦敬。童年的战争记忆不可能不在心灵中投下暗影，但难能可贵的是，她没有让创伤直接宣泄在画布上，而是将其转化为对生命深沉的凝视。这种转化需要极大的精神力量——不是遗忘，而是将苦痛的记忆升华为对美的追寻。
这也使得她的艺术实践呈现出一种独特的美学路径。她的创作是个人经历和生命经验的自然流淌。从云南东川的红土到安徽山丘的晒秋，从湘西草垛到绍兴酒坛，这些地理坐标不仅是创作题材，更是记忆的载体与情感的容器。
火车上的一瞥，童年的老屋，这些对日常生活的诗意与温暖，构成了她作品中独特的色彩。她的作品从来不是客观再现，而是她的情感记忆：只有打动她的她才会画。温柔的性情中隐藏着不容置疑的坚持。在她笔下，晒秋的农事、纤夫的劳作都有了别样的内涵。她的作品也在告诉人们：创作的最高境界，是让技法消失在感受的真诚表达中。
裘兆明《花门》49cm×49cm 纸本设色 2024年
林萱的作品中有一种梦幻般的宁静，仿若大提琴的低吟，婉转幽深。童年在文革期间度过，那段经历不可避免地参与塑造着她的心灵——是种子在石头的挤压中也要探出头来昂扬向上的坚韧力量，是对美好与温暖有着强烈的渴望，是对生命有着永不枯竭的爱——她在大洋彼岸持续以艺术为密钥打量着世界，也在持续深入探索着自我。
那些年，她走过西方很多瑰丽的风景，却在在每一次被惊艳时，不知不觉间，会想起寻故土的影子。距离家乡越远，越是思恋家乡，无论走出去多远，她依然还是那个站在乐山大佛前仰望的小女孩，所以，她的画笔承载着跨越重洋的乡愁，她的画布上漫布着东方的根脉。
她将东方美学的意境与西方绘画的语言熔铸成独特的视觉诗篇。那片樱花树下的宁静，江上氤氲的云气，以及充满力量感的野花，既有着中国水墨的灵动，又融入了西方的光影变化，那些激烈的饱满的情绪在一遍又一遍的涂抹中复归于平静，她是那么享受与色彩相处的时间，一幅无锡的美丽庭院，她可以画一年半，她将自己全然融入，物我两忘，人与作品合二为一，那是心灵至高的幸福。
林萱的系列画作也证明着，文化的根不会因远行而消逝，反而在对比中愈发清晰。那些童年记忆里的山水，在经历异域文化的洗礼后，呈现出更为丰富的层次——每一笔都是她内心深处炙热的情感，她以无限的温柔与美好去拥抱小时候的自己与她的故乡，以无限的爱去拥抱这世间。
林萱《东方花园》组画，90x120cm 油画布 丙烯 2017年
邱坚的作品中有一种神性，亦有一种静气。她此次展出的作品画幅都不大，但方寸间有乾坤，老北京胡同里的一瞥，仿佛能听见鸽哨声，一个人的背影能透出深阔的寂静。
她的画作在材质与意象之间构建了独特的视觉韵律。那些用锯末营造的哑光肌理，在画布表面形成细微的凹凸，仿佛岁月在物体表面留下的天然包浆。这种质感与她描绘的老北京胡同形成了奇妙呼应，砖石的磨损、光影的流转，都在她创造的肌理中获得了一种可触可感的真实性。
她的色彩运用呈现出含蓄的张力。那些灰调中隐约透出的暖色，如同老照片中泛出的时光印记。她笔下常有留白，胡同总在画面边缘悄然隐去，人物的背影常常被处理成简练的剪影。这种不完整的完整，赋予了作品某种未竟的诗意——观者的想象自然地被邀请进入画面，共同完成最终的审美体验。
她作品中弥漫的神性并非出于宗教，而是她对美学的致敬——作为大学教授，她曾前往埃及访学，在面对神秘的金字塔时，她感受到了一种神秘，一种永恒。那些穿越时空的力量常常能打动她，她也会为日常生活的碎片而感动。
邱坚的艺术创作方向以漆画为主，近年来，她开始涉足油画，她将漆画的工艺智慧创造性地转化到油画创作中，不变的是那份隽永的厚重感。她的作品最终形成了一种独特的视觉语法：以最朴素的材料，最平凡的题材，构建出最具持久感染力的艺术表达。这种表达不需要宏大的叙事支撑，它在每一个细微处自然生长，安静却充满生命力。
邱坚《听鹦》
出生于艺术世家的孙路，从中央戏剧学院一路画到巴黎，看似一帆风顺，一路坦途，不愿走寻常路的她选择了坦培拉技法作为她一生的艺术归宿。
她沉迷于坦培拉中的生命感与不确定性。鸡蛋与色粉的每一次相遇，都会在画布上留下不可预料的印记，如同生命中无法复制的瞬间。孙路在调配颜料时，也接受着这种不确定性——就像女性在成长中学会与命运带来的偶然性共处。她接受着世事的无常，又以勇敢之姿悦纳一切美好馈赠。
她不断地探索着自己的叙事方式，从早期的京剧头饰到后来女性朦胧的眼神再至远方的风景。她在一遍又一遍的涂抹中沉淀下来——每一层颜料都需要自然的凝固周期，要慢慢等，在等待中，经过层层叠加的画面会随着岁月渐渐产生微妙变化，这种不可预测恰如女性的生命轨迹：既要经历每个阶段的完整周期，又要承受时间的痕迹。
坦培拉创作中反复涂抹、等待、修正的过程，呼应着女性的成长历程。经过数十遍的层层罩染，最终呈现出的温润光泽，不正是每一个女性蜕变成长的必经之路吗？
喜欢笑，喜欢敞开自己的孙路也在画布前越来越自由，她可以把土豆皮，葱叶子与威尼斯面具融为一体，她有不拘一格去尝试的勇气，在限制中寻找自由的灵动。
她在面对坦培拉时已经练就了强韧的耐心，需要等待干透的间歇和反复调整的薄层，都似乎是一种隐喻，成长需要时间，种种体悟，总是在经历漫长的酝酿后，自然发生。最终会获得一种超越时间的静谧。
孙路《青衣》65X80cm 坦培拉 2008年
范一冰这次展览的作品都是她近一年来为画展创作的新作品，作为女性艺术家，平时也离不开繁琐的家务，于是，上演了一场洗碗布与颜料相遇的惊艳大戏。
这是有隐喻有张力的一幕，家务的重复劳作，与艺术的自由创造，这看似矛盾的状态在同一块布上共存时，反而呈现出真实的女性艺术家生存图景，尽管在各种身份间穿梭，却从未放弃表达自我的渴望。原来家务琐事，在艺术家眼中可以成为创作的契机。范一冰有一颗在平凡的生活质地中发现美的眼睛。
另一重张力发生在范一冰以南阳汉砖为灵感的系列女性作品中，汉代石刻的雄浑气度与她笔下“撑天撑地”的女性形象遥相呼应。在以男性叙事为主导的千年前的时空下，女性的大爱与力量感蓬勃而出。
这种跨越时空的连接性和洗碗布系列作品共处一个空间之时，又形成了更深层的时间张力——这是跨越了两千年的对视啊。
范一冰沉浸在这种探索的喜悦中，她期待着用更日常的方式更多的材料去呈现她内心江河般的力量，当一个人的内在全然自由全然放松时，一切组合都有了新意。
范一冰《彩色之园》彩墨 127x57cm 2025年
和鸣
历时一个月的展览即将落幕，北京已经正式进入寒冬，《雅歌》的空灵与悠远还在回荡着，她们的故事还在继续——她们每个人的足迹都是独特的，却又在深处相连。她们接纳着岁月的流逝，又保持着向前探寻的好奇。
一如策展人孙玉珍所言：在《雅歌》展览中，各具特色的六位艺术家们在追寻艺术的道路上融合在一起。这也体现了女性独立精神的一种可能：她们在传统与现代、东方与西方、家庭与自我之间，构建起属于自己的坐标系。在这个体系里，矛盾不再只是需要解决的问题，而是创造的源泉。
孙玉珍《爱.融合》丙烯组画 120Ⅹ30cm 2025年10月
藉由艺术，艺术家们去认识自己认识世界。她们的作品，也在不知不觉间，重塑着人们感知世界的方式。她们也用一生的经历诠释着，真正的辽阔不在远方，而在每个灵魂坚持成为自己的勇气中。
展览主题：雅歌-何韵兰 裘兆明 林萱 邱坚 孙路 范一冰2025作品展
主办单位 意大利中国理事基金会学院
承办单位 意大利中国理事基金会学院艺术馆
学术支持 北京女美术家联谊会
支持单位（排名不分先后）
北京索域文化发展有限公司 点滴艺术平台 吴传麟艺术工作委员会 中国美术市场报 北京华艺富家文化有限公司 顺晟(北京)文化发展有限公司
展览执行 “雅歌作品展”筹备委员会
策展人｜孙玉珍
展览总监｜冯骄
展览统筹｜吴丹旻
执行主任｜范一冰孙路
筹委会成员｜全体参展艺术家
特邀宣传主编｜李海浪 浦科研
展览时间 2025年10月31日-11月30日 12:00-20:00
周一闭馆
展览地点 意大利中国理事基金会学院艺术馆